La première fois que j'ai vu les magnifiques peintures de Justinian, tout à fait par hasard - ou peut-être par « synchronicité » comme il pourrait le dire - j'ai tout de suite su que je regardais quelque chose de très spécial. Voici un artiste qui est tout à fait conscient de sa relation avec le rôle énorme que le surréalisme a eu à jouer dans la peinture, la littérature et la poésie, ainsi que d'autres formes du grand art à partir de la fin du XIXe siècle. Il se positionne totalement consciemment par rapport à son adoration et son respect pour ce genre, ainsi que d'autres courants comme la peinture flamande et des artistes plus autodidactes (une grande force ici), les icônes religieuses orthodoxes, orientales. Il a appris la technique de l’icône d'un moine orthodoxe russe à Paris (tempera à l'œuf employée dans le passé par des artistes comme Andrei Rublev, qu'il admire). Ses sujets sont le personnel, l'universel, le fantastique et l'hermétique, l'alchimique et le mystique, tels qu'ils apparaissent tous parfois dans les rêves - et par extension la vie créative, les inspirations et la production visuelle d'un artiste. Les thèmes, motifs, allégories et métaphores se montrent dans ses œuvres hautement méditatives et conscientes, sous forme de poches de contenu, d'histoires en marge, de spéculations personnelles, de grandes visions et de potentialités mystiques. Il est clair aussi qu'il doit prendre beaucoup de plaisir à faire ces œuvres. On ne sent pas une âme torturée dans ses œuvres, elles sont plutôt agréables pour les yeux et les sensibilités. Il nous présente ses observations d'harmonie visuelle et intellectuelle dans son travail, qui font écho à l'équilibre des contraires, tels que les thèmes qu'il communique au spectateur.

À cette fin, ses œuvres utilisent une iconographie spécialisée de symboles, de métaphores et de points de référence tout en créant un langage visuel personnel, comme le font certains artistes dans leur travail en réincorporant les mêmes symboles et détails d'images tout au long de leur vie, pour transmettre un sens spécifique, et qui parlent de choses que peut-être eux seuls connaissent et peuvent éclairer davantage. Plus nous allons loin dans leur peinture, et plus les récits sont clairs. Il est remarquable que les « trucs du métier » n'empêchent pas de donner une interprétation plus universelle de ses peintures, en gardant à l'esprit les structures narratives superposées et empilées et les fonctions des icônes orthodoxes orientales. En fait, les choix spécifiques et les thèmes deviennent tout à fait pertinents compte tenu de l'attention de ses compétences et de sa force de travail. Pour lui, c'est l'œuf, la croix, l'arbre, les rivières et les lacs, le paysage d'un autre monde, la sainte mère ; ou parfois Le Roi et la Reine du Ciel – une union alchimique connue dans certaines écoles de mystères sous le nom de « La Conjonctio ». La recombinaison d'éléments avec des tropes alternés crée une ligne directrice pour l'ensemble de son œuvre qui lui permet de se situer en dehors du temps. Ce ne sont ni des peintures du passé, ni des œuvres qui fonctionnent comme des visions du futur. Au lieu de cela, ces allégories, sagas, mythes, récits personnels et idées anachroniques existent au-delà du temps en tant que chroniques « intemporelles » conçues pour impliquer des états de conscience comme le rêve qui sont différents des expériences linéaires du « temps séquentiel » ; tous des motifs et préoccupations très surréalistes, et une façon des plus agréables de se délecter du symbolisme et de l'histoire.

En tant qu'images représentatives qui contiennent une structure narrative, elles racontent souvent une histoire à plusieurs niveaux. Elles ne sont cependant pas illustratives ou destinées à correspondre à des textes ou à des histoires spécifiques. À travers la nature détournée du format visuel et des compositions, par des clins d'œil directs aux symboles et à la signalisation familiers (par exemple l'œuf, son symbole le plus souvent figuré), il crée une multitude de significations emblématiques, allégoriques et de paraboles, à la disposition du spectateur pour le décodage et le plaisir. Il y a parfois des références quasi directes à la littérature comme l'Ophélie de Rimbaud du poème « La blanche Ophélia », des personnages de la Bible, du folklore et de la mythologie, ainsi que de son histoire personnelle. Ils sont comme les «Combines» de Rauschenberg, des histoires reconfigurées, synthétisées et ajustées dans le but de la nature de la peinture, pour communiquer des informations et du sens.

Cependant, on ne sent pas que ce sont des images moralisatrices, elles sont plutôt aussi ouvertes et calmes, aussi en paix avec leur place dans le monde, que l'âme douce elle-même qui les a produites. L'artiste se place lui-même dans la structure narrative et se relie à l'imagerie et au contenu, tout comme nous, le public, qui sommes invités à interpréter ses peintures à côté de ses propres préoccupations magnifiques. Des fascinations qui se traduisent par des joyaux visuels exceptionnels d'une échelle modeste avec une présence énorme et un pouvoir hypnotique. Ce n'est pas le cas de beaucoup d'artistes, et ce n'est pas une chose facile à faire en peinture. Souvent, nous voyons de l'art contemporain qui se sent plutôt détaché et impersonnel, ou qui ne tient pas compte du spectateur. Pas ces peintures. C'est aussi assez généreux de la part d'un artiste, ce qui, je pense, doit avoir beaucoup à voir avec le sujet qu'il choisit. À l'occasion, il se place dans les peintures et nous regarde, se posant les mêmes questions que nous posons tous à l'Univers dans lequel nous habitons, créant ainsi une dynamique psychologique délicieuse tout en ajoutant un sens plus profond à son travail - le personnel les rend plus racontables. Les icônes religieuses possèdent la même attention au spectateur, ce sont des œuvres qui sont «conscientes» du spectateur pour ainsi dire, et qui établissent un dialogue continu. Donc ses peintures génèrent des conversations sur l'esthétique, la psychologie, le spirituel, l'histoire de l'art, et plus.

Souvent, vous verrez que la façon dont il décrit un certain type d'objet ou de personne, comme un arbre ou les cheveux d'une femme - que ces détails sont peints dans le même style d'un tableau à l'autre, avec le même niveau de description - comme des vignes qui s'étendent sur toute la surface du tableau. L'un pourrait tout autant se substituer à l'autre, ce qui provoque des changements d'échelle. Certaines figures semblent assez gigantesques par rapport aux arbres, ou aux croix et autres détails du paysage comme les rivières, les ruisseaux et les flaques d'eau. Naturellement, la «vigne» a de nombreuses références dans ce type d'art, couplées avec les arbres, les croix, les œufs, le symbolisme de l'eau et les implications mystiques des figures en lévitation. Les références sont moins évidentes que suggérées. Périodiquement, il peuple ses peintures de personnages qui ressemblent à des êtres d'un autre monde du folklore, ou de personnages qui ressemblent à des moines, des prêtres et des saints. Là où certains artistes adoptent une approche plus objective ou subjective de la représentation de l'imagerie - il y a une distance dans son travail qui permet de multiples lectures du point de vue objectif d'un observateur et du monde intérieur subjectif de l'artiste. Deux excellents exemples des éléments qui se répètent dans ses tableaux sont « Mystic Garden » 2021 et « La Blanche Ophélie » 2019, qui a été réalisé en partie en réponse au poème d'Arthur Rimbaud du même titre. Il a mentionné la dernière ligne du poème comme significative pour lui et son travail, «The white Ophelia floats like a large lily // La blanche Ophélie flotte, comme un grand lys. » Pris dans le contexte du symbolisme et de l'imagerie complémentaire, il s'agit sans aucun doute d'une référence au lys qui est un signe de « résurrection » et de « pureté », ainsi qu'un substitut à un certain nombre de thèmes à travers l'histoire européenne, la mythologie et Cultes religieux. Il l'a placée au-dessus de la naissance de moines à partir de quelques-uns de ses «œufs» fantastiques et régénérateurs, et à côté de ce qui semble être une figure christique effectuant cet acte de lévitation par le biais d'une bénédiction sacrée. Il «soulève» littéralement la question du spectateur sur la nature de l'ascension, de la résurrection, des vignes hôtes et des métaphores que nous connaissons tous grâce à nos études sur la bible, la mythologie et la littérature. Les images elles-mêmes sont donc une riche confluence de signes et de sens pour créer un dialogue et un échange avec les spectateurs, et pour ceux qui connaissent les références, une source de grand plaisir. Connaître le sens des histoires, c'est être capable de distinguer l'Universel - c'est certainement un très beau tour de magie visuelle - car même si notre temps sur terre peut être bref, les histoires que nous partageons, et parfois les peintures que nous faire continuer longtemps après nous. Cycles, circuits, Hero’s Journey, Graal Quest, tout est là dans son œuvre.

Un autre aspect de son travail, qui montre la qualité et la sophistication de ses peintures, est la technique. Au fil des ans, il a utilisé diverses méthodes de maîtres anciens pour composer, du glaçage à l'huile à la tempera à l'œuf, facilitant des brillances extraordinaires. Certains semblent presque reluire de l'intérieur, rehaussant la beauté des images et des idées. Il ne travaille plus désormais la tempera comme pour ses premières œuvres, mais se concentre aujourd'hui sur la peinture à l'huile sur panneaux de bois et toiles. Les changements dans la lumière et l'obscurité se produisent principalement par des changements de ton plutôt que par l'ajout de peinture blanche ou noire aux couleurs, fournissant une riche palette de couleurs généralement saturées qui augmentent l'intensité des images et la qualité d'un autre monde de rêves et de visions. La saturation des couleurs et leur vibration est une grande force de son travail, une caractéristique remarquable qui à la fois nous attire et retient notre attention, et ajoute de l’intensité. C'est quelque chose que j'aime beaucoup dans son travail, cette capacité de la couleur à fournir l'histoire et le sens, les subtilités. Pas de changements visuels sévères ou brusques, ce n'est pas ce que fait son travail, ni ce sur quoi portent ses idées. Les techniques et le style sont en alignement avec le sujet - permettant au spectateur d'entrer dans le paysage onirique afin que les histoires puissent nous inonder comme l'une de ces cascades rafraîchissantes ou ruisseaux d'eaux curatives, ces eaux qu'il inclut dans ses tableaux pour symboliser les pouvoirs de guérison miraculeux et les dimensions spirituelles profondes associées à l'eau. Ce sont des images silencieuses, furtives, presque comme des coquillages géants : plus vous vous approchez, plus vous « entendez » - dans ce cas « voyez », ils parlent de choses cachées et révélées, et de révélations cachées. Mais nous ne sommes pas dans la catégorie des sujets apocalyptiques que l’on encontre si souvent dans le monde des arts visuels. Ce sont des images pleines d'espoir, il y a beaucoup de lumière et de nouvelles pousses éliminant la pourriture et le déclin. A la place de l'ancien, du mourant ou du mort, il y a une nouvelle croissance ; des personnages plus jeunes, en bonne santé et vibrants qui portent ses idées et ses visions « sorties de l'œuf ». Ces personnages renaissent dans des formes nouvelles et identifiables, ou des expressions individualistes de l'être. Il y a toujours des signes de la grâce. En tant que tel, « l'éternel retour » est un thème majeur qui se répète dans son œuvre, peut-être le thème dominant.

Lorsque j'ai interrogé Justinian sur la signification particulière d'Ophélie dans son œuvre en tant que symbole, il m'a répondu avec le poème d'Arthur Rimbaud et la référence à Shakespeare (dans les peintures et l'histoire de l'art) :

"le tableau "Ophélie" de John Everett Millais est l'un de mes tableaux préférés, car, pour moi, il représente avec une grande beauté la frontière entre la vie et la mort, qui m'a toujours fasciné."

C'est une peinture phénoménale, et il est logique qu’il mentionne une œuvre d'art de l'Histoire qui parle aux peintres liminaux, symbolistes, et l’art qui traite de l’état indéterminé entre vie et mort. Le tableau « Ophélie » de Millais est connu pour avoir eu une influence sur les surréalistes comme Dali, et plus tard sur des artistes contemporains comme Ruscha, et puis bien sûr Justinian lui-même. C'est toujours intéressant d'entendre ce qui fascine les autres artistes. C'est une peinture qui continue de captiver et d'animer de nombreux amateurs, pour nous rappeler que l'Art n'est pas seulement de l’art, de la décoration ou même la beauté. Les grandes peintures peuvent retenir notre attention afin que nous observions nos pensées et puissions contempler, ou peut-être comprendre le sens et l'intentionnalité derrière certains thèmes, comme ce moment de possibilité infinie à la frontière de la vie et de la mort qu’on vient d’évoquer. On peut reconnaître que la compréhension peut aussi être belle. Les peintures spectaculaires de Justinian B fonctionnent de cette manière - cette œuvre fascine, commande la présence et nous ralentit pour considérer ce que nous regardons au-delà de la surface de l'image jusqu'aux idées et aux sous-textes. Et si les spectateurs ont de la chance, en prêtant une grande attention à son travail, ils sont autorisés à sortir du Temps et à témoigner de l'Intemporel. Des années après avoir vu pour la première fois son magnifique travail, ils étonnent et ravissent toujours, tout comme les premières œuvres continuent de soulever de nouvelles questions à considérer. C'est vraiment un art exceptionnel.

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